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Zwei Tage Zeit für improvisierte Musik
Wie vielfältig die Szene improvisierter Musik in der Schweiz ist,

zeigte einmal mehr Zwei Tage Zeit – Festival für improvisierte Musik.
Thomas Meyer, 25.01.2018, SWISS MUSIC PORTAL

Wie sehr konnte man es andererseits geniessen, wenn zwei zusammenwirken, die schon seit Längstem in der Musik (und im Leben) ein Duo bilden, wenn man dabei eine gemeinsame Sprache und Sprachhaltung erlebt, ein Aufeinandereingehen und Aufeinanderhinspielen, brillant, kantig, fetzig, heftig, flächig, frisch und blitzend. Der Posaunist Roland Dahinden und die Pianistin Hildegard Kleeb führen einen wendigen, sehr gestenreichen musikalischen Dialog. Diese Festivaleröffnung machte durchaus Spass.

“Two days time” for improvised music

The Swiss improvised music scene is highly varied, as has been demonstrated once again

by the festival for improvised music “Zwei Tage Zeit”.
Thomas Meyer, 2018-01-25, SWISS MUSIC PORTAL

In the performance by the trombonist Roland Dahinden and the pianist Hildegard Kleeb, we were able to enjoy to the full what happens when two musicians come together who have long been a duo both in music and in life: they had a common language, a common turn of phrase, and they offered a give-and-take that was at one and the same time brilliant, edgy, wild, fierce, expansive, fresh and sparkling. Their concert was the festival opener, and they offered an agile, highly gestural musical dialogue that was also full of fun.


Roland Dahinden, Hildegard Kleeb: Stones
Trombonist Roland Dahinden and Hildegard Kleeb do the music of free improvisation proud in their splendid new set of works collectively entitled Stones. In fine tradition the duo make a lasting impression of deeply integrated performances that flow naturally as if the music were being created on the spot. Both Dahinden and Kleeb speak from within; they listen to where each other is going and align themselves instantaneously to where his and her direction. They can be engagingly rustic and emotionally deep, as in the ‘Territory’ pieces, or breathe fiery dialogues into the lithe lines of ‘Flying White’ along unconventional lines. Their handling of ‘Trajectory’ is thrilling. Without sacrificing power or speed, they mine the unconventionally lyrical vein of the series of pieces throughout with expressive gestures that liberate the music’s ebb and flow.

As composers of this repertoire both Roland Dahinden and Hildegard Kleeb are unafraid to reflect aspects of their primordial surroundings in their music depicting a location that it is at once harsh and atmospheric. The result is music that manages to strike a balance between the highly experimental and the deeply expressive. In the ten works on this disc, each score or movement has a title not only numerically differentiating it from its (numerical) counterpart, but also one that points the listener in the direction of a wholly new facet of the rocky promontory about which this topographical tale is all about. The results of each of the score are suffused with vivid, molten surprises. These scores are strikingly evocations of Dahinden’s and Kleeb’s fertile impressionistic minds and each musical locale is an improvisation that drives a musical epiphany.

There is no gratuitous virtuosity here. Both Dahinden and Kleeb show utmost commitment to the expressive needs of the music, its visceral rhythm and frieze-like melody. These are sterling accounts in every way. Dahinden’s penetrating timbre and keen attention to nuance ensure that all of the music emerges with vibrant purpose, beautifully balanced by the dashing poetry by Kleeb’s pianism. The tricky balance between instruments, especially when the trombone dips into its lowest range, is never an issue – a manifestation both of the musician’s sensitivity and microphone placement that doesn’t allow one instrument to swallow the other. Best of all, the distinctive voices of each of the musicians keeps the listener enveloped in the performances as Dahinden and Kleeb use their inestimable artistic gifts to summon what was in the landscape that they ‘sing’ about so memorably.
(Raul da Gama in JazzDaGama, Canada, 2016)

Das Duo Dahinden/Kleeb improvisiert mit Vehemenz und Einfühlsamkeit.
Manchmal braucht man in diesen zuhörens verloungenden und verkitschenden Zeiten schlicht diese kurzgestische, energiegeladene Art des Musizierens: prägnante, steinharte, kantige Klänge, die einen unmittelbar ansprechen, ohne Wenn und Aber, ohne Verwinklungen und Hemmnisse und ohne jede Anbiederung. Und gleich darauf fragt man sich: Wie machen die das? So in oft rasantem Tempo die Klangsteine ins Spiel zu werfen, ohne dass ein Durcheinander entsteht ...
Dahinter steckt, simpel gesagt, lebenslange Einübung. Der Posaunist Roland Dahinden und die Pianistin Hildegard Kleeb, seit dreissig Jahren im Leben wie in der Musik ein Paar, improvisieren auf dieser CD zusammen; man spürt in jedem Moment, wie vertraut sie miteinander sind, wie selbstverständlich die musikalischen Bewegungen sich ineinanderfügen. (Es bedarf schliesslich noch eines dritten zuverlässigen Partners: des Labels HatHut, das seit Jahrzehnten die Aufnahmen der beiden Musiker veröffentlicht.) Unterschiedliche Prägungen kommen hier zusammen, einmal durch die Neue Musik, aber auch durch den Jazz, in klaren, aber auch in verfremdeten Farben.

Stones – Steine nennen die beiden Musiker das zu Recht. Und um einer Assoziation gleich zuvorzukommen: Mit Steinen sind keine Juwelen gemeint; wir haben es hier mit Rohlingen zu tun, die ihre geologische Herkunft nicht verleugnen, die nicht geschmeidig der Dekoration dienen, sondern ihre Härte beweisen. Nicht nur, wenn sie ins Rollen geraten und mit Vehemenz und eruptiver Kraft daherjagen – sondern auch, wenn sie ruhig daliegen. Wunderbar, wie einfühlsam sich etwa im ruhigen Stück Flying White die Klänge ineinanderfügen, nuanciert und geräuschhaft, rein und roh. Sie stammen aus der Tiefe.
(Schweizer Musikzeitung, Thomas Meyer, 30.11.2016)

Roland Dahinden & Hildegard Kleeb
Stones is a mega-slow burner.  But what seemed rather a dull disc, finally pulled me in – though it remains a puzzle, a riddle wrapped in an enigma even.  Husband and wife team Roland Dahinden on trombone, and Hildegard Kleeb on piano, have worked together for decades, realising celebrated performances of Cage and Feldman, and working with Anthony Braxton.  Here they're in free improvisation mode, with some rocky themes.  "We have an Alpine hideout," Dahinden explains, "a wooden box on the Alp Gitschenen in the central part of Switzerland... The rocky landscape is very inspiring for us".

Stones takes its cue from Japanese art and Zen Buddhist garden culture, in fact.  The playing is virtuoso, though at first there seemed something too precise about it, a suspicion of being too thought-out.  But though the results might be too cool and non-emotional for some listeners, doubts are overcome as the music draws one in.
"Stones", "Trajectory" and "Territory" pieces are interleaved – the first of these are slow, the others uptempo.  For some reason "Trajectory 1" and "Territory 1" don't appear.  On "Trajectory 2", Kleeb works inside the piano, I'd guess, damping the strings by hand.  "Stones 3" explores a small range of tones, quietly and obsessively, creating a feeling of great stillness, while "Trajectory 4" shows a tightly-restrained fury.  "Flying White" – a unique category – is another slow piece, named after a brush technique that creates wide, ribbon-like lines.  Here, the trombone begins like arco bass, becoming vocalised like the deathly croaks of an Australian crow. 
"Stones 4" is a really outstanding track – the trombone's almost toneless murmurings, against what sound like sustained piano glissandos that undermine the effects of tone, creates an air of great mystery and menace, rather reminiscent of the work of George Crumb.  In Dahinden's strongly vocalised trombone, the New Orleans/Ellington tradition is a distant memory.
(WIRE Jazz Magazine, October 2016, Andy Hamilton)

CD STONES Dahinden-Kleeb
Companions in life and musical inquiry, trombonist Roland Dahinden and pianist Hildegard Kleeb have navigated the arenas of new and improvised music together for over thirty years. Dedicated industry across those decades included lauded projects dealing with music of John Cage, Morton Feldman and Anthony Braxton alongside more personal performances, although the impetus of a recording career came comparatively late in 2012. Stones is a partial summation
of their sound research as a team, a program of ten selections drawn primarily from three separate improvisational series designated by numerical sequences and single-word titles.
The thematic locus of the set relates to the couple’s shared rustic home in a relatively remote region of the Alps where they’ve developed a communal language influenced in part by the natural topography of their surroundings. “Stones” “Territories” and “Trajectories” serve as the titular vessels for improvisation. Each series seeks to describe and embody facets of the physical attributes of the alpine landscape through extemporaneous sound with the former also informed by features of Japanese rock gardens. The abstraction of the sensory attributes of physical space into musical expression is no easy task and duo makes ample use of extended techniques on their instruments to achieve results.
“Stones 1” joins strangely strident yet muted piano tones with legato shapes from Dahinden that almost sound like an arco bass in places. Echo and decay factor in heavily as well and the result is a floating, diaphanous sound structure that emits
a vague feeling of menace and mystery. “Trajectory 2” contrasts sharply as effusive yet brittle brass shouts and whistles bounce repeatedly off a similarly agitated display from Kleeb’s stabbing keys. “Flying White” is different still and the only piece not aligned with the aforementioned series. Here, Dahinden and Kleeb seek to translate the tenor of a Japanese painting technique in aural terms with overlapping lines weighing delicacy and density in an uneasy alliance.
Whether measured with the intended topical context or not, Dahinden and Kleeb’s designs demonstrate a striking degree
of synergy and resolve. There are moments where the weave between their respective contributions is almost Gordian in its cohesiveness. “Trajectory 3” balances rapid loquacious activity with a clearly discernible arc of inquiry as Dahinden speaks in veritable tongues through his horn and Kleeb delivers a near-constant barrage of flinty right hand retorts. “Stones 3” and “Stones 4” unfold as the near-opposite, a vaporous tone poems that move at glacial crawl with acoustic girth and texture replacing velocity. That combing of seemingly contradictory constituencies informs the majority of pieces and keeps them
in a both figurative and musical sense from gathering even a modicum of moss.
(Dusted Magazine, Derek Taylor, June 15, 2016)


JazzPodium:            CD des Monats

Jazz’N’More:            Maximum Award

It’s an unflaggingly engaging two sets of music to absolutely die for!

Free improvised trio music has never sounded so fascinating.

Magically, it would seem, the musicians both know – and don’t know – where the music will take them, but trusting their instincts as well as the truth of music itself, they follow, create, shape and sculpt music that in turn sculpts, shapes, creates and guides them along its loping, elliptical, circular path.

The music of Lines exemplifies the creative process of musicians who combine uncompromisingly questing intelligence and intuition with a real consciousness of their place within music’s seemingly accelerating continuum.

Raul da Gama, Canada

Das ist Woanders-Musik. Sie bringt einen over the rainbow oder jedenfalls in fast unbegangene Landschaften oder staunenswerte Gebiete mit offenen Räumen...

Man muss sich für diese Musik Zeit gönnen, dann dringt sie tief ein, ändert über die Ohrmuschel die Atomstruktur des Organismus; man sollte jede Nuance zu erwischen bereit sein. Dann gerät man nicht nur woanders hin, sondern handelt und tagträumt bald, o Glück, anders.

Adam Olschewski, JazzPodium

GEFETZT, GERAFFT, GEWORFEN CD LINES als improvisierendes Meisterstück

Kurze, abgerissene, geradezu hingeworfene Gesten und Töne, wild, überraschend, agil, ausdifferenziert und genau, kein Gran zu viel. So präsentieren sich die „Lines“ dieses Trios. Die Töne sind so genau hingesetzt, dass man fast vermuten könnte, es handle sich um komponierte Musik. Aber gerade das stimmt nicht, die Spontaneität der Musiker ist in jedem Moment zu spüren.

Thomas Meyer, Jazz’N’More


CD RECALL POLLOCK "unüberhörbar spitze" in JAZZ'N'MORE, März 2013

Ich bewundere, wie die zwei das machen. Das ist von einer Spielfreude, von einer Energie und von einer Lebendigkeit - ja, das findet man selten. Thomas Meyer (Musik unserer Zeit, Schweizer Radio und Fernsehen SRF, 9.1.2013)

Für mich eine wenn nicht die aufregendste und spannendste CD-Edition von 2012. Johannes Anders

Festival Ulrichsberger Kaleidophon 2011

Wahrscheinlich den schönsten Auftritt lieferte das Schweizer Duo Recall Pollock. Die Pianistin Hildegard Kleeb und der Posaunist Roland Dahinden begaben sich auf die Spur des amerikanischen Malers Jackson Pollock. Rasende Läufe wechselten mit sorgsam gesetzten Klavierakkorden, verträumte Melancholie traf auf zorniges Aufbegehren. Heftiger Applaus für ein Weltklassekonzert. (OÖ Bewertung)

Kaleidophon-Fest: Im Rachen des Alphorns

Roland Dahinden und Hildegard Kleeb demonstrierten exemplarisch, wie spontane Interaktion beglücken kann: in dem jeder Ton bewusst gesetzt, keiner verschenkt wird, indem beide ihrer eigenen Spur folgen und doch auf den anderen hören. Da konnte Dahinden mitunter dem Alphorn in den Rachen greifen, um dort mit dem Jazzbesen Erinnerungen an verwehte Rhythmen wachzurufen. In Momenten wie diesen schien die große Welt im kleinen Ulrichsberg den Atem anzuhalten. (felb, DER STANDARD - Printausgabe, 2. Mai 2011)

Bad Alchemy
von Rigo Dittmann
Was ich schon öfters mal salopp 'Pollocking' nannte, ist bei Recall Pollock (LR 651) Programm. HILDEGARD KLEEB & ROLAND DAHINDEN teilen seit 25 Jahren eine Schnittmenge aus den avantjazzigen Vorlieben des Posaunisten aus Zug, der nach Rouge, Frise Et Acide und Habarigari vor allem mit Anthony Braxton sich seinen Namen machte, und den eher avantklassischen der Pianistin aus Richenthal. Das Schweizer Label hat ART bot ihnen die Spielwiese, auf der sie Feldman, Spahlinger, De Alvaer oder Ablinger performte und beide zusammen Cage. LEO knüpft daran an mit dem Cover-Design aus bloßer Schrift. Auch Alvin Lucier und Christian Wolff gehören zum Repertoire der beiden, die hier, angeregt durch Jack the Dripper, frei improvisieren, wobei in meinen Ohren neben spritzigen Aktionen immer wieder auch der mal meditative, mal aleatorische Klang von John Cage anklingt, einschließlich seines präpariert geklopften Klaviers. Dahinden ist ein Ausbund an extended techniques, ein Flatterzüngler und Schnauber, der seinem Horn jeden nur denkbaren Schmier- und Spritzklang und allerhand unvermutete Gurr- und Schnarrlaute entlockt. Kleeb betont zwar durch harte Schläge die Hemingwayschen Züge in Pollocks Image. Öfters aber erinnern die beiden Schweizer am spritzigen Pollock-Klischee vorbei auch an den anderen Pollock, den von etwa 'Male and Female', 'The Moon-Woman', 'Blue (Moby Dick)' oder 'Easter and the Totem'. Dass sie dabei die Scheuklappen zwischen komponierter und impriovisierter JetztMusik auf spannende und einleuchtende Weise pulverisieren, ist zu selbstverständlich, um daraus ein großes Getue zu machen.


Asheville FM, Asheville, NC, USA
The Pollock in question is of course painter Jackson Pollock, the inspiration behind these 14 short improvisations by trombonist Roland Dahinden (who also plays alphorn) and pianist Hildegard Kleeb - a duo on stage and in life. Elegant and sophisticated muic, often sounding closer to contemporary chamber music than free improvisation. There's a fine, subtle chemistry beteen the players, and a certain tenderness in their musical gestures. The fact that the alphorn is a rare instrument in free improvisation gives this CD bonus points.
(Asheville FM Jazz Charts, December 2012)

Roland Dahinden & Hildegard Kleeb: Recall Pollock
One of the main qualities that I love in music is that of coherence: many artists over time have made ​​a bad use of it, especially when they saw increase their success with the public; on the contrary there are others musicians who have never a sought success, because their aim is to hit the audience without forcing, so that it is able to understand the proposal. The pianist Hildegard Kleeb and her partner trombonist Roland Dahinden have always worked to repropose and popularize the world of free improvisation of post-Cageana origin, calling to mind, on the hand, the historical names of the New York's creativity or composers belonging to its sphere of attraction (in addition with Cage, there were Wolff, Tenney, Lucier, Braxton. and so on) and on the other hand, the theoretical acceptances of much of the composition's European world: they are almost naturally involved in other musical concepts such as alea, instruments's preparation, clusters, silences, extension techniques, jazz improvisation: the paths to follow for the future of music. The Swiss couple has been appreciated many years ago for the revival of some pieces of Cage in version piano-trombone, but there is no doubt that they must to be mentioned for other recordings (among them, Kleeb should be remembered for "Grisailles", a composition for three pianos of austrian composer Peter Ablinger) The "piano-trombone" is certainly one of the lesser explored duets in jazz, so if you keep in mind also the matrix of contemporary music, the two musicians have done a special job in the artistic communication that shows the interconnections between the two instruments."Recall Pollock" is a true testament of these musical relationships: to pay homage to the painter who has completed the process of transition to the non-figurative art, could be tricky especially if you do not have sufficient means to load the expression: instead the two musicians use the narrative assumption, in which the music is described such as an ideal day of the painter: Kleeb proposes his piano playing without morphology, with clusters that evoke flow of spilled paint, while Dahinden, with an extraordinary mastery of extended techniques of the trombone, guide the hand of the painter in his nervous and creative developments; here we are faced with instruments that speak a language different from what we usually hear, terribly hard, but fascinating, showing an alternation between the most dynamic compositions and other more reflective (as if the painter was thinking about what to do)."Recall Pollock" is a valuable resource to finally define their work in a discography that usually gave a bad image of their art, suggesting a splendid vein in the reinterpretation not adequately supported by the will of composing.
(Percorsi Musicali, February 2013)

Au moment où Bryan Eubanks & Catherine Lamb rendent hommage (par un disque sur le label Sacred Realism) à la peintre Agnes Martin, la pianiste Hildegard Kleeb (improvisatrice et formidable interprète de Feldman, Cage ou Wolff) & le tromboniste Roland Dahinden – on aura rep éré le couple par exemple dans un projet Braxton publié par Hat – enregistrent une quinzaine d′impeccables petits formats «inspirés par Jackson Pollock»...

Sous le titre Recall Pollock, qui sonne presque comme un impératif, et derrière une pochette qui a le bon goût de ne pas reproduire la moindre toile (on se reportera au Free Jazz d′Ornette pour cela), le duo suisse se garde bien de nous faire le coup du dripping sonore ou du all-over; en retour, le chroniqueur ne convoquera ni sound-action-painting ni vain rapprochement trans-artistique! La musique cascade, énergique, découpée; et si elle songe au peintre, elle ne le singe heureusement pas: elle lui adresse un salut lointain; à distance, autonome, peut–être a–t–elle, oui, quelque chose du «souvenir», mais c′est de sa propre vivacité qu′elle tire tout son attrait et son inventivité.

(Guillaume Belhomme, le son du grisli)


Picked as one of the 'Top Classical Albums of the Year 2004' by the arts journal The New Yorker
2004 Year-End ‘Best of’ List by Down Town Music Gallery, NYC

Der Schweizer Roland Dahinden, Jahrgang 1962, war Schüler u.a. von Georg F. Haas, Vinko Globokar und Anthony Braxton, wobei er gerade bei Globokar und Braxton die hohe Schule der Improvisation durchlief, der er seitdem mit seiner Posaune alles abverlangt. Doch wie erstaunlich die Diskrepanz zwischen musikalischer Praxis und dem Kompositionsprozess sein kann, lässt sich anhand der beiden Werke erleben, die sich fern von jeglichem exhibitionistischen Ausdrucksdrang bewegen. Im Gegenteil. Als wäre Dahinden noch einmal der Geist von Morton Feldman erschienen, stehen Silberen und Lichtweiss für ein behutsames Ausloten von Musik und Zeit. Die einzelnen Töne, die kurz vor dem Erfrieren zu stehen scheinen, bewegt Dahinden mit vorsichtiger Hand. Minimalistisch, subtil und zart. Mit einer kaum merklichen Differenzierung der Rhythmik und mit einer dynamischen Skala aus Piano und Pianissimo, die den Werken ihre archaische Aura verleiht. Allein Silberen für Streichquartett und Klavier wird damit zu einer Beschwörung der Ursprungslosigkeit, die zum Nachlauschen zwingt. Auf fast 45 Minuten ist dieses Stück angelegt. Und daher muss die Spannung genauso gehalten werden, nichts darf zittern, wie es schon Feldman in seinen mehrstündigen Langstreckenkompositionen für Steichquartett gefordert hat.
Solche auch konditionellen Höchstschwierigkeiten sind jedoch für das Arditti Quartet längst Alltag. Und auch mit der Pianistin Hildegard Kleeb lassen sich diese Slow-Motion-Empfingungswelten ein- und ausatmen. Mit radikaler Aufmerksamkeit für die versiegenden, feinen wie nuancenreichen Klangwerte konturieren sie so Dahindens Extrem-Vorstellungen von fragilen Körpern – und schärfen damit die unendlichen Möglichkeiten des Dazwischen-Hörens.
Mit einer gleichfalls auf den ersten Blick unspektakulären Reduktion lenkt Lichtweiss für Vibrafon Solo die ganze Aufmerksamkeit auf sich. Dahinden ließ sich dafür von fast weißen Gemälden der österreichischen Künstlerin Inge Dick anregen. Und wie die Schattierungen auf der Leinwand nur nach gründlichstem Augenschein sinnfällig werden, so organisiert Dahinden das vierteilige Lichtweiss zu einem luftigen Ton-Mobile, das faszinierend facettenreiche Schatten wirft. Zumal auch hier der Interpret (Bernd Thurner) zum idealen Partner wird, der diese unaufgeregten, musikalischen Grundsubstanzen vor dem meditativen Ritual schützt.
Auch wenn Dahinden nicht zuletzt durch seine Vorliebe für die Bildende Kunst als Initialzündung nahezu endgültig zum Alter Ego Morton Feldmans wird, so gibt gerade diese Einspielung ihm Recht, an dem Projekt jenes Minimalismus weiterzuarbeiten, bei dem Zeit kaum eine Rolle spielt.

Guido Fischer, Neue Zeitschrift für Musik, Schott Verlag, 2005

El ritmo se ha desvanecido; apenas pueden percibirse contrastes; un océano de suavidad envuelve la tímbrica; cualquier temática parece haberse evaporado: de este modo puede describirse la música del suizo Roland Dahinden (1962), un compositor muy cercano a la creación plástica contemporánea e interesado por el concepto de escultura sonora. Sus obras no apelan a la emoción ni a la sensibilidad; por el contrario, la sensación espacial resulta extraordinariamente marcada. Cualquier impresión de peso y volumen ha quedado abolida en beneficio de cierto estado gaseoso de la materia, de ciertos flujos que se expanden indefinidamente por el éter en virtud de leyes y estructuras bien precisas: geometrías ondulantes, círculos y espirales. Contra todo pronóstico, el interés esta garantizado: las dos piezas aquí reunidas, Silberen y Lictweiss, se desenvuelven en un universo de belleza. Para gozar de ella basta con descubrir las sutiles variaciones cromáticas, las íntimas agitaciones internas, los constantes pero casi imperceptibles cambios de ángulo y de luz que alteran la percepción de tan aéreas construcciones.
Silberen (1999), para piano y cuarteto de cuerda, se desarrolla a lo largo de veintiún movimientos entrelazados con misteriosa delicadeza, de tal manera que el conjunto parece desplegarse lentamente pero sin pausas ni inetrrupciones. Poco a poco vamos captando modulaciones y combinaciones familiares de notas, pero que ofrecen siempre diferencias tonales. El cuarteto que participa en la presente grabación es el Arditti: junto a la pianista Hildegaard Kleeb urde un tejido acústico de singular ligereza, una trama de brillos altamente matizados.
Lichtweiss (1999), para vibráfono solo, consiste en cuatro fragmentos, otras tantas exploraciones de armonías de compleja simplicidad, por así decirlo. No hay espectacularidad alguna ni sorpresas extremas, pero lo cierto es que atraen la atención del oyente con el encanto de un magnetismo débil pero innegable. El vibrafonista Bernd Thuerner sabe extraer una interesante gama de sonidos, a veces frotados y otras percutidos, cuyo enigmático encanto no deja de reverberar en el ambiente tiempo después de haber desaparecido.

Norberto Tauste


The Rest Is Noise: à la Mode

Happiness came the other day in the form of a fat envelope from Mode Records, the august New sYork new-music label. For years I've been treasuring Mode's releases of John Cage and Morton Feldman. The new batch contains vol. 8 of the Feldman Edition, Triadic Memories, available either as a single DVD or as 2 CD's, with Marilyn Nonken tickling the ivories; a 2-CD of the music of Cage-Feldman henchman Christian Wolff; the slow, static, largely tonal music of Somei Satoh, with Petr Kotik conducting the Janacek Philharmonic; and nervously expressive works of Jason Eckardt. So far the one I've really fallen for is a disc devoted to Swiss composer-trombonist Roland Dahinden, born 1962, who roams around in the rich landscape between the classical avant-garde and post-free jazz. The big work on the program, silberen, for piano quintet, strongly recalls Feldman in its hushed dynamics and glacial tempo, but something about the mood and sound is quite un-Feldmanlike. The language is not as chromatic as Feldman's, and sometimes hovers on the border of modal tonality, especially at the beginning. While Feldman often has secret narratives and dramas at work in his music, Dahinden avoids even a ghost of tension or conflict; he proceeds serenely from one collection of tones to another, as if puttering around a lunar garden. The Arditti Quartet and pianist Hildegard Kleeb play with magical purity of tone. I'm eager to hear more from this composer.

Alex Ross, The New Yorker, August 31, 2004

Inspired by the play of light in nature and in art, Roland Dahinden creates soundscapes that gleam with aural luminescence, so suggestive of visual phenomena that his work borders on the synesthetic. Similar in its calm ambience and its sense of suspended time to works by John Cage and Morton Feldman, Silberen for piano and string quartet is slow, meditative, and austere in its sonorities, evocative of the chalkstone landscape of the Silberen mountain range. Dahinden's spare notes and chords are treated as pure sounds, interlocking but without melodic connections or harmonic functions, and the cycling of pitches seems independent of structure and direction. The absence of any clear arrival point concentrates the listener's attention on events in the moment, which are touched on briefly then replaced by new combinations. Pianist Hildegard Kleeb and the Arditti Quartet are controlled and guardedly expressive, and their nuanced timbres reveal intense concentration. Bernd Thurner's meticulous performance of Lichtweiss for vibraphone is similarly focused and subdued. As muted as the subtly shaded monochrome paintings of Inge Dick, which stimulated Dahinden's imagination, this piece is based on refined gradations of attack, varied through the use of hard and soft mallets. Supervised by the composer, these works are accurately rendered and superbly recorded.

Blair Sanderson, All Music Guide

Voilà une bien curieuse musique, de type "minimaliste". Rappelons d'abord que l'interprète, improvisateur et compositeur suisse Roland Dahinden a été imprégné par diverses influences en jouant (le plus souvent avec sa femme Hildegard Kleeb) John Cage, Christian Wolff, Morton Feldman, Pauline Oliveros... De 1992 à 1995, il fut l'assistant de Alvin Lucier et Anthony Braxton à la Wesleyan University (Connecticut).
Silberen, c’est trois-quarts d’heure au quatuor à cordes et au piano, dans la nuance piano, sans rythme, sans vibrato, sans thème, sans contrastes frappants, sans but apparent, sans contenu dramatique, sans aucune direction tonale. Les sons sont “blancs” ; pour établir un parallèle avec le monde visuel, disons que l’on aurait l’impression d’observer une sorte de mobile chatoyant flottant très doucement dans un souffle de vent quasi-imperceptible. Ce sont toujours les mêmes éléments qui bougent, mais leur agencement l’un par rapport à l’autre crée d’incessantes nouvelles combinaisons visuelles. De la sorte, les 21 segments qui composent l’œuvre – chacun d'entre eux pour une formation instrumentale différente – sont des visions à chaque fois repolarisées des mêmes éléments de base, comme si l’on écoutait une sorte de cercle sonore où plane même une touche de romantisme. Aucun nombrilisme pseudo-méditatif ici, pas de contemplation, aucune impression de mélancolie, seulement l’envoûtement que peut provoquer l’observation soutenue d’un phénomène en mouvement imperceptible.
La seconde œuvre du CD, Lichtweiss pour vibraphone solo, procède par notes juxtaposées et joue sur les infimes nuances d’attaque entre mailloches douces et dures, sur les différences entre sons frappés et sons frottés avec un archet : Roland Dahinden gradue les sons dans l’espace et nous invite à en éprouver le résultat sonore, harmonieux et souvent harmonique. Comment caractériser cette musique ? Non pas la musique de la contemplation, mais celle de l’observation et du calme, d'une grande subtilité.


Prize Musicora Selection August 2007

"Anthony Braxton (+ Duke Ellington)Concept Of Freedom"
Roland Dahinden, tb, Hildegard Kleeb, p,
Dimitris Polisoidis, viol, Robert Höldrich, electr.

(hatOLOGY 614 / Musicora)

Der Zuger Posaunist/Komponist Roland Dahinden (*1962) studierte an verschiedenen Universitäten in den USA (Master of Arts, Doctor of Philosophy in Music), war Assistent von Alvin Lucier und Anthony Braxton und gehört zu den CH-Musikern, denen es ein Anliegen ist, nicht nur genreübergreifend zu schreiben und zu improvsieren, sondern auch interdisziplinär zu arbeiten (seine CD "silberen" mit dem Arditti Quartet wurde vom New Yorker Kulturjournal "The New Yorker" zu den "Top Classical Albums of the Year 2004" gewählt – vgl. JNM Nr. 2/2005, S.37). Der vorliegenden, spannenden, teilweise höchst dramatischen Musik von Dahinden, seiner Frau, der Pianistin Hildegard Kleeb und ihrer langjährigen Partner Polisoidis und Höldrich liegen Erfahrungen mit amerikanischer Musik, aber auch mit Auswirkungen der US-Administration zugrunde, die Idee, über die Musik das Zeitgeschehen zu reflektieren, im Bewusstein des laufenden Krieges der USA gegen den Irak. Grundlage sind notierte Linien von Braxtons Composition NO. 257, die er f¨r das Paar geschrieben hat, aber auch Komponenten anderer Braxton-Titel, sowie Impulse aus den "Freedom"-Parts No. 1, 4 & 6 von Ellingtons Sacred Concert No. 2 (rec. 2003).

2005 (enregistré en 2003) - textes en Anglais - 57:00 - hatOLOGY 614
Musicien essentiel de l’histoire du jazz et de la musique improvisée de ces quarante dernières années, Anthony Braxton est, par ailleurs, un des compositeurs les plus prolifiques de l’histoire de la musique tout court, mêmes si ses compositions sortent du canon classique de l’annotation musicale, à travers partitions graphiques et autres systèmes qui permettent de « prédéterminer la forme et la laisser pourtant ouverte. » Si ses œuvres (dont il reste l’interprète essentiel) ont déjà connu d’autres lectures que la sienne à ce jour (cf. les disques de Guillermo Gregorio et Art Lange, de Gino Robair ou de Kevin Norton entre autres), c’est la première fois, à notre connaissance, que des musiciens reconnus comme compositeurs et interprètes de Musique Contemporaine (Wolf, Cage) s’emparent d’une composition de Braxton et l’entraîne sur leur terrain musical - même si Gregorio et Lange, ce dernier auteur des très riches notes de pochette du disque, possèdent quelques lettres en ce domaine.
Le fait que Roland Dahinden, cheville ouvrière de Concept Of Freedom, collabore avec le compositeur depuis treize ans et a enregistré en sa compagnie au moins cinq disques, que Hildegard Kleeb, son épouse, est l’interprète du quadruple CD dédié à la musique pour piano de ce dernier (« Piano Music (Notated) 1968-88 », hat Art, épuisé) et, enfin, que la composition (« 257 » et qui appartient à la meilleur veine, la dernière, de la Ghost Trance Mudic) qu’ils interprètent ici leur est dédiée, ne change rien à l’affaire : le couple et ses deux complices, le violoniste Dimitri Polisoidis (avec lequel Dahinden et Kleeb forment un trio régulier depuis 1992) et l’électroacousticien Robert Höldrich, abordent la musique d’Anthony Braxton en proche parent de celles de Webern, Stockhausen, Ligeti ou autre Terry Riley (hé oui), parenté qu’accusent les timbres « classiques » des instruments acoustiques et que renforcent, de leurs côté, les sons électroniques.
Loin d’être trahie ou dénaturée, la musique ainsi créée s’impose avec une sorte d’évidence que vient souligner, de façon différente mais particulièrement heureuse, la richesse et la remarquable flexibilité de cette dernière. Dans la tradition instaurée par son auteur, les quatre complices la nourrissent de citations mélodiques empruntées à d’autres compositions du compositeur américain (les « 30 », « 31 », « 69 », « 90 », « 136 ») et, de façon plus surprenante, utilisent comme des d’interludes (ou des respirations) des passages de « Freedom n°1, 4 et 6 » extraits du « Sacred Concert n°2 » de Duke Ellington, initiative qui n’a sûrement pu qu’enchanter Braxton, lequel défend depuis toujours l’idée du continuum spatio-temporel de la musique afro-américaine. Quant aux moments librement improvisés, loin d’être les parents pauvres de cette aventure sonore, ils sont traités comme les cadences d’un concerto classique ou, mieux, les passages aléatoires chers à la Musique Contemporaine, exercices dans lesquels excelle tout particulièrement le piano d’Hildegard Kleeb, éblouissant de bout en bout, mais où sont loin d’être maladroit l’inventif violon de Dimitr Polisoidis i ainsi que le trombone (jouant volontiers dans les graves), de Roland Dahinden. Robert Höldrich, pour sa part, occupe une place plus conceptuelle au sein de ce petit ensemble qui le voit jouer de la répétition de certaines sonorités, déclencher des orages magnétiques, tisser de subtiles nappes sonores ou réutiliser, en le démultipliant, le son des instruments de ses partenaires (violon et trombone essentiellement), le tout avec une maîtrise souveraine et un goût d’une sûreté sans faille. Un grand disque à écouter impérativement et qui devrait intéresser au-delà du cercle des seuls amateurs de la musique d’Anthony Braxton.
Technique: 8 (belle prise de son spacieuse et bien définie) - Artistique: 10

Crescendo Magazine Musique Belge

…There are no lapses of focus on Concept of Freedom. The Quartet here is comprised of classical instrumentalists – pianist Hildegard Kleeb, trombonist Roland Dahinden, violinist Dimitrios Polisoidis and Rober Höldrich on electronics – who simply nail the parts and improvise with as much technical precision as passion. However, their real breakthrough in interpreting Braxton’s GTM is the incorporation of materials from Duke Ellington’s “Second Sacred Concert” into their bracing reading of “Composition No. 257”.
The results are kaleidoscopic. 4 stars, Bill Shoemaker, Downbeat, July 2005

Braxton-Ellington “Concept of Freedom”, Dahinden, Kleeb, Polisoidis et Höldrich: Visionnaire… un travail magistral.
Jean Buzelin, Jazzman France, Octobre 2005

Mr. Dahinden is a composer and performer who has worked with and played the music of Mr. Braxton in the past. His partner, classical pianist Hildegard Kleeb has also performed Braxton's music in the past, as well as Morton Feldman and Christian Wolff. Besides the fact that Duke Ellington & Anthony Braxton are both geniuses in their own ways, they are also wonderful composers, musicians and visionaries. Braxton's "Comp. No. 257" sounds like "Ghost Trance Music", but is played by a fine quartet without Mr. Braxton's guidance. This piece is done spaciously, without that unrelenting pulse. The notes are stretched out at times, giving this a more relaxed, thoughtful feeling with more space between the notes. It also has that modern classical vibe where each note is placed ever so carefully. In the third section, the haze of electronic and trombone drones begin to add a dark undercurrent as the chaotic piano soon takes a very "out" solo. Snippets of Duke Ellington's musical fragments are interspersed within ongoing framework Braxton's evolving work. It is seamlessly connected. The sound mass is often magical and mysterious and difficult to figure out, yet Huguette and I find it completely fascinating.

Depuis sa formation en 1992, le trio constitué du tromboniste Roland Dahinden, d’Hildegard Kleeb (piano) et de Dimitris Polisoidis (violon), s’oblige à investir tout autant la musique contemporaine que le champ musical improvisé. Ayant plusieurs fois joué aux côtés d’Anthony Braxton, le trio se laisse aujourd’hui aller à ressentir librement le « Concept Of Freedom » du maître, auquel fait écho celui institué plus tôt par Duke Ellington.
Pour ce faire, un invité de passage, Robert Höldrich, chargé de programmations électroniques. Dès l’ouverture, il pose quelques rebonds artificiels sur les interventions ramassées du piano et du violon. Très vite, le contemporain investit le domaine du jazz, et, comme pour amortir le choc, les musiciens décident de s’entendre sur un mouvement lent.
Intelligemment distribués, les duos se succèdent. Le grincement discret du violon vient perturber la précision des notes de piano, qui s’entendent plus facilement avec le phrasé coulant du trombone. Et puis, la discorde, lorsque s’impose un fond sonore programmé, ruche agonisante dans laquelle, frénétiques, les legatos de Kleeb finissent par se rompre. Longues et sombres, les interventions de Dahinden trouvent un certain apaisement, avant d’être renvoyées à leurs harmoniques par un Robert Höldrich n’en pouvant plus de stratagèmes.
Le violon se verra destiner les siens propres, multiplié à souhait et affublé d’une réverbération proche de celle, caractéristique, d’Alexander Balanescu. Une fois l’espace rendu aux vents synthétiques, le piano osera une mélodie d’un lyrisme démuni, planté là sûrement pour tirer des larmes. L’usage de John Cage trouve ici un expédient de choix, et clôt joliment la parenthèse.
Terminée dans les brumes, la liberté faite concept, hantée par la présence des maîtres Braxton et Ellington, aura suivi un parcours changeant, et su tirer parti d’expériences menées en terres étrangères : d’électronique bruitiste et de musique contemporaine. L’ensemble oscille au gré des couleurs mises en place ; la liberté trouvée partout.

dMute, Chroniqué par Grisli
le 22/09/2005

Estimados Jazzvisionarios:

Cuatro músicos de vanguardia, movidos por el concepto de "libertad", toman composiciones de Anthony Braxton y Duke Ellington y las interpretan desde una perspectiva muy personal, cuyo resultado podría ser considerado un trabajo electro-acústico de vanguardia con dejos de ruidismo.
A un trío de carácter acústico compuesto por la pianista de vanguardia Hildegard Kleeb, el trombonista Roland Dahinden, ambos suizos, y al violinista Dimitris Polisoidis, trío que viene trabajando junto desde el año 1992 en música contemporánea e improvisación, se le une el compositor y músico de electrónica Robert Höldrich para interpretar piezas musicales de Braxton y Ellington.
El programa incluye:
Comp. Nº 257 ( + 30,31,46,69, 90 & 136 ) by Anthony Braxton
Freedom Nº 1, 4 & 6 from the Sacred Concert Nº 2 by Duke Ellington

El siguiente registro fue publicado por el prestigioso sello Hatology y grabado en agosto del 2003.
Dos enfoques musicales, al parecer disímiles, encuentran su punto en común bajo el concepto de libertad: el Trío Dahinden-Kleeb-Polisoidis en esta nueva edición de jazz visión.
Que lo disfruten!
By Kike Hurtado

Grisailles 1-100

Klingende Lichtbrechungen

Peter Ablinger: Grisailles 1-100 (1991-93). Hildegard Kleeb (Klavier).- CD hat [now] ART 132

Dass Peter Ablinger seine Musik durchaus analog zu Vorstellungen aus der Kunst konzipiert, belegt der Zyklus der Grisailles für Klavier (1991-93), den die Pianistin Hildegard Kleeb beim Label HatHutRecords eingespielt hat. Die Klavierminiaturen reflektieren die visuelle Vielfalt der Grautöne in den Glasfenstern der Zisterzienser-Abtei Heiligenkreuz, die bei unterschiedlichen Lichteinfällen zu Tage kommen. Die auskomponierten Momente spiegeln diese Mannigfaltigkeit in einer Musik, deren gewollter Redundanz die Ornamentik und Klanggebung zu ihren wesentlichsten Ausdrucksträgern macht.

Auch hier regiert die minimale Veränderung innerhalb des Klingenden. Die phänomenale Konzentriertheit von Hildegard Kleebs Spiel, das die überlappenden kompositorischen Schichten mit großer artikulatorischer und farblicher Rafinesse bewältigt, lädt dazu ein, den Stillstand als Veränderung von Lichtverhältnissen, als langwährenden Wandel über 50 Minuten hinweg zu verfolgen und sich dabei in die feinen Verästelungen des Klingen hinein zu versenken. Dies wird durch eine exzellente Aufnahmetechnik unterstützt, die den Klavierklang so stark verräumlicht, dass der Hörer sich von ihm umgeben glaubt.
(Stefan Drees)

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